TÉCNICAS DE EXPRESIÓN GRÁFICO PLÁSTICAS TÉCNICAS DE PINTURA

PINTURA

Es, quizás, la expresión artística más apreciada y utilizada en la historia. Durante su larga trayectoria, los materiales y la forma de usarlos han tenido una profunda evolución. Los cambios van desde la época en que las pinturas se obtenían de forma rudimentaria a partir de productos naturales de la tierra como plantas y rocas, pasando por aquélla en que los artistas tenían que producir sus propias pinturas y fabricar sus pinceles y lienzos en casa, hasta nuestros días, cuando encontramos un completo mercado de elementos de pintura sintéticos y listos para usar. La gran variedad de componentes y formas de uso de las pinturas dan lugar a diferentes técnicas entre las que sobresalen la acuarela, el acrílico, el óleo y el fresco. Entre ellas, las más reconocidas son, sin duda, el fresco y el óleo por la vasta muestra artística y calidad de sus obras.

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TÉCNICAS DE EXPRESIÓN GRÁFICO PLÁSTICAS TÉCNICAS DE PINTURA al agua

ACUARELA La acuarela surgió en la Escuela Inglesa de la segunda mitad del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XIX. En este periodo algunos pintores destacados comenzaron a utilizar la acuarela como medio pictórico con su característica más destacada: la inmediatez y sutileza. Hasta ese momento la acuarela se utilizó en topografía y para rellenar cuidadosamente mediante lavados finos dibujos elaborados previamente a lápiz. Paul Sandby se llamó "el padre de la acuarela inglesa" aunque Durero empezó a crear obras en acuarela mucho antes que Sandby. Turner fue el primero en descubrir nuevas posibilidades con experimentaciones sobre lavados, secando partes de la pintura, John Constables como muchos impresionistas del momento vieron en la acuarela un medio perfecto para plasmar la luminosidad

[TIPOS] Las pinturas para acuarela se hacen moliendo pigmentos en polvo con un agente aglutinante, normalmente goma arábiga, soluble en agua, pueden llevar glicerina como plastificante, para darle cuerpo se utilizaría un agente como goma de tragacanto, se suele añadir también un conservante que actua como fungicida y bactericida. Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permacenen cuanto más calidad tienen los pigmentos. Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas, en las dos formas vemos las diferencias entre pigmentos, por ejemplo con el azul de manganeso conseguimos una granulación

[SOPORTES] El soporte más corriente para esta técnica es el papel y existe gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar: Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela. Papel prensado en frio (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos. Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel. Los pesos del papel es la segunda consideración para su elección, un papel más pesado tien menos tendencia a ondularse, para evitar esto deberiamos tensar el papel.

[TÉCNICA] La técnica "transparente" de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profucdo, el color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos. La acuarela nos da muchas posibilidades... la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela sobre el soporte ya humedecido, que nos da un efecto diferente. También podemos realizar lavados del pigmaento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento absorvente, el raspado son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela. 11

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GOUACHE Lo emplearon los iluminadores de manuscritos de la Edad Media y artistas del siglo XVII, entre los que destacan Van Dyck y Poussin. Paul Sandby además de ser pionero en la acuarela también fue el primer exponente importante del gouache. Esta técnica disfrutó de gran popularidad en la Inglaterra de finales del XVIII. Muchos pintores modernos lo han utilizado, como Picasso, Henry Moore, y en la actualidad se usa sobre todo para la ilustración comercial.

[TIPOS] También llamado "color con cuerpo" el gouache es una pintura al agua, opaca, hecha con más cantidad de pigmento molido y menos fino que el de la acuarela, utilizando ingredientes muy similares . La película de pintura es más espesa y flexible, por eso tienen más glicerina. Los colores del gouache se venden en tubos y en frascos. Una paleta decuada seria: blanco, ocre amarillo, amarillo de cadmio, Verde esmeralda, rojo cadmio, siena tostado, sombra natural, azúl cobalto, y negro. Los pinceles que utlizamos para acuarela serian adecuados tambien para el gouache

[SOPORTES] Podemos utilizar para el gouache soportes como el papel o tableros, todos los papeles recomendados para la acuarela pura son óptimos también para el gouache, incluso se pueden utilizar papeles más oscuros gracias a la opacidad del gouache. Como ocurre en la acuarela es conveniente tensar los papeles más ligeros. En los tableros preparados para acuarela o cartones ásperos (aplicando una capa de goma) también podemos conseguir buenos resultados.

[TÉCNICA]

Cuando el gouache se seca pueden ocurrir cosas inesperadas, los colores tienden a aclararse y los colores más densos no consiguen el mismo tono que el resto. Cualquier retoque en un color plano creará imperfecciones. Los lavados se aplican de la misma forma que con la acuarela pero teniendo en cuenta la consistencia de la pintura. Rociado es una técnica que pasando un cuchillo por las cerdas de un cepillo de dientes y se consiguen unas zonas punteadas. También podemos añadir detalles o texturas con un el rascado. 12

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TEMPLE En Europa se conoce desde el s. X su utilización en manuscritos. Se usaba en el arte bizantino y Románico, sobreviviendo hasta el s. XV, con sus características pinceladas diminutas. Artistas como Fra Angélico (1387-1455) y Piero della Francesca (1410-92) vivieron la transición hacia el naturalismo con el temple. El óleo no se difundió hasta la época de Hals y Rembrandt, afectando parcialmente al éxito del temple, que ha conservado su popularidad durante 200 años. En la Europa del s. XIX resurgió en Alemania con Klimt (18621918), Bocklin (1827-1901) y Moreau (1826-98).

[COMPOSICIÓN] Literalmente Temple significa cualquier sustancia usada para aglutinar un pigmento pulverizado, pero en la práctica es un medio que utiliza un aglutinante hecho de huevo. Se seca inmediatamente y puede rascarse con gran facilidad. Hay muchas recetas para la realización de este material, una de las composiciónes del temple de huevo seria la siguiente: -2 yemas de huevo -4 partes de agua purificada -3 partes de pigmento -1 parte de aceite de linaza -1 parte de resina, normalmente barniz de damar

[SOPORTES] La superficie del temple al huevo es suave , muy fina y no se oscurece con el tiempo como el óleo. Cualquier soporte como tabla o lienzo deberia imprimarse con gesso, una pasta compuesta por: -75 g de cola de conejo disuelta en un litro de agua -blanco de españa -blanco de zinc -para la imprimación de lienzo se alñadiria una cucharada de aceite de linaza por 1/4 de litro para evitar que se agriete la superficie.

[EQUIPO Y TECNICA] Puede usarse cualquier tipo de pincel que aplique la pintura en capas finas, también se pueden usar esponjas y trapos. Los recipientes más adecuados serian platos de porcelana o moldes inoxidables que mantienen la temperatura. Se puede aplicar la pintura a brochazos, pinceladas, punteados y raspados... Tambien se puede usar a modo de veladuras con capas transparente, con el pincel seco, punteado, rociado, salpicado, etc...

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AERÓGRAFO El primer aerógrafo fué patentado en 1893 por Charles Burdick, un artista británico. Sin embargo, la idea de soplar una mezcla de aire y pigmento sobre una superficie tiene 35.000 años, ya aparecían en pinturas rupestres soplando a través de un hueso. Los aerógrafos son instrumentos de precisión que pueden producir líneas sumamente finas y tonos suaves y graduales. Empezaron a usarse para retocar fotografías y cuadros pero en la actualidad su uso está muy extendido especialmente entre artistas publicitarios.

[TÉCNICA] Un aerógrafo tiene el aspecto de una estilográfica grande, conectada mediante un tubo largo y flexible a un cilindro de aire comprimido. Para pintar bien con aerógrafo hace falta habilidad, saber recortar máscaras y tener buena memoria para los colores y tonos. La buena memoria es necesaría ya que el color se aplica una zona cubriendo o enmascarando el resto. Antes de llenar el depósito de pintura, se pone en marcha el compresor y se sopla un poco de aire para comprobar que está limpio. Para manejar el aerógrafo cómodamente debemos mantener un ángulo de 45º a 80º con el papel, dependiendo del ángulo conseguiremos efectos diferentes. Para conseguir líneas finas y uniformes hay que mantener el aerógrafo cerca del papel con muy poca presión. Para cubrir una zona de color uniforme, se sostiene el aerógrafo a unos 10 centímetros por encima del papel haciendo una serie de pasadas horizontales consecutivas. Para conseguir un tono gradual se hace con una serie de pasadas paralelas cambiando la presión. Los artístas y dibujantes gráficos tienen que dibujar con absoluta precisión, y para ello utulizan una variedad de instrumentos y accesorios.

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TÉCNICAS DE EXPRESIÓN GRÁFICO PLÁSTICAS TÉCNICAS DE PINTURA sólidas, oleosas y mixtas

ACRÍLICO En los años 20, un grupo de pintores hispanoamericanos como Orozco(1883-1949), Siqueiros(1896-1974) y Rivera(1886-1957) querían pintar grandes murales exteriores con una pintura que se secase pronto y permaneciese, recurrieron entonces a resinas plásticas, materiales que se usaban en el campo industrial. Después de las investigaciones pertinentes y experimentaciones de artistas en los años 50 ya se comercializaron desempeñando un papel importante en las técnicas de artistas como Pollock(1912-56) cuya técnica se basa en la colocación del lienzo en el suelo vertiendo la pintura, Noland (1929) que construye planos uniformes de color con contornos definidos.

[COMPOSICIÓN]

Se llama acrílica a cualquier pintura en la que el pigmento este integrado en una resina sintética. Las resinas acrílicas se hacen a partir de ácidos acrílicos y metacrílicos. Con las debidas adiciones se consigue un medio soluble en agua, flexible con las ventajas del óleo y temple, pero secándose en cuanto se evapora el agua y además resiste a la oxidación y descomposición química. También es un fuerte adhesivo, cada capa se pega perfectamente a la anterior.

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[SOPORTES] Se adaptan a gran variedad de superficies, lienzo, madera, aglomerado, metal, cartón o papel sin ninguna base aislante, aunque se suele emplear una imprimación acrílica, gesso, que no es más que un medio acrílico mezclado con blanco titanio. Aplicando 2 o 3 capas finas dejando secar cada una sería suficiente.

[TÉCNICA] Como medio no tiene nada que ver con los óleos, se parece más a la acuarela, gouache y temple. Podemos buscar las ventajas del secado del óleo mediante un retardador. Su mezcla con agua o con medio acrílico puede convertirlo en transparente. Veladuras_son capas transparentes de pintura, las mezclas de acrílico con el medio transparente debe hacerse en la paleta con espátula o pincel húmedo. Color opaco_ sin diluir el acrílico es bastante consistente según el color. Para obtener zonas lisas de color profundo sin huellas de pincelada se pueden aplicar varias capas sólidas con pincel o espátula. Para conseguir bordes rectos se puede reservar los bordes con cinta adhesiva.

Las pinceladas visibles_ se consiguen sin diluir la pintura.

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ENCÁUSTICA El nombre de encáustica proviene de una palabra griega que significa “quemado” y fue una de las técnicas más importantes en la antigüedad. Consiste en la aplicación de cera caliente mezclada con pigmentos. Es incluso más antigua que la técnica de óleo, datando del año 800 a.c. Los griegos de aquella época la usaban para pintar sus barcos. Pero el verdadero arte lo desarrollaron los egipicios greco-romanos del 100 a.c al 200 d.c. para los ataúdes de sus momias, en lo que se conoce como el periodo Fayum. Estos retratos divergen totalmente del estilo egipcio tradicional. Son de un gran realismo y se creen que tardaban toda la vida de una persona en hacerse. Esta técnica se utilizó hasta la edad media y no volvió a ser descubierta y utilizada hasta 1954 por Jasper Johns. Este artista del pop americano le volvería a dar a la encáustica un nuevo sentido.

[COMPOSICIÓN] Consiste en la mezcla de pigmentos con cera de abejas derretidas aplicadas calientes en el soporte. Las ventajas de su utilización son: No existe ninguna reacción química adversa entre el fondo, la cera y el pigmento. Permite multitud de efectos. Si no es sometido a altas temperaturas no sufre daños derritiendose. Para preparar las pinturas se mezcla una cantidad de cera (dependiendo de la opacidad deseada) derretida con pigmentos en polvo. Actualmente se dispone de un equipo como este para trabajar con esta técnica.

[EQUIPO]

La encaustica requiere un equipo especial para mantener caliente la cera para poderla aplicar ya que se solidifica en cuanto toca el soporte frio. Se puede manipular el soporte pasando por encima una fuente de calor como un secador o soplete.

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TÉCNICAS DE EXPRESIÓN GRÁFICO PLÁSTICAS TÉCNICAS DE PINTURA [TÉCNICA] El medio encaustico se presta a la superposici'on de capas de color. Sepueden yuxtaponer y superponer pigmentos opacos y transparentes en diferentes combinaciones para conseguir profundidad.

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MURAL La pintura mural, por definición, es aquella obra de arte que forma parte inseparable de los espacios arquitectónicos. No nos referimos a una composición plástica independiente, más cercana a la pintura de caballete, sino que se encuentra profundamente vinculada a los muros de la arquitectura sobre los que se asienta. El comienzo de la pintura mural fue la iconografía de las pinturas rupestres, luego el arte mural surgió en las ciudades antiguas, en sus plazas, templos, viviendas y tumbas; ilustrando escenas de la vida cotidiana y del universo religioso. Otras modalidades fueron conocidas desde la antigüedad, como las pinturas Mesopotámicas y sobre todo los grandes lienzos de muros pintados de Egipto. Éste es uno de los momentos álgidos en la pintura mural, ya que esta técnica lo invade todo, palacios, templos y tumbas. Después, tanto los griegos, como los romanos serán los transmisores y divulgadores de esta forma de expresión artística a través de la creación y ampliación de nuevas ciudades, sobre todo en el Mediterráneo. Será en el renacimiento cuando llegue a una de sus cimas artísticas más altas. Pintores como Mantegna, Miguel Angel, Rafael, etc., revolucionarán el mundo visual de la época con la pintura mural (Capilla Sixtina). Es en el siglo XX cuando la pintura mural se renueva totalmente: se recupera la técnica de la pintura al fresco (A. Arteta), y se experimenta con nuevos soportes como cemento, hormigón, materiales sintéticos,... sobre los que se emplean pinturas acrílicas, vinílicas, silicatos, emulsiones, etc., entrando en mundo desconocido hasta el momento.

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[SOPORTES] Como primer soporte estructural se indica la piedra, el ladrillo, el tapial de sillarejo, la piedra tallada, pero como segundo soporte o preparación está la capa de revoco que protege al muro y que es la base de fijación de la pintura mural. Esta preparación, compuesta de cal y arena principalmente, era aplicado al muro en varias manos. La primera mano estaba compuesta por una masa gruesa y basta de arena y cal, cuya función era adherirse bien al muro y servir de cama a una segunda capa mucho más delgada, compacta y rica en cal (intónaco), que servía de base a la pintura.

[TÉCNICA] Pintura al fresco. Por pintura mural al fresco se entiende toda pintura mural que se ejecuta sobre una preparación al fresco, es decir, que el revoco debe estar húmedo para que los pigmentos aplicados sean aglutinados y absorbidos por la carbonatación de la cal. Pintura a seco. Por pintura mural a seco se entiende toda pintura ejecutada sobre una preparación o revoco seco y cuyos pigmentos se fijan al muro por medio de un aglutinante en el que van disueltos o mezclados. Los aglutinantes más comunes han sido: la cal, témpera y óleo.

[ESGRAFIADO] término relacionado La pintura mural tiene en el esgrafiado una de sus formas eminentemente decorativas. Su proceso es sencillo. Es una técnica de dibujo que consiste en hacer incisiones o cortes en el estrato superficial de la pintura o e n l u c i d o pa r a q u e q u e d e a l descubierto el color de la capa inferior. El término proviene de una palabra italiana que significa rascado. La auténtica técnica del esgrafiado se encuentra en el arte antiguo, medieval y renacentista, pero el término se suele hacer extensivo a toda técnica que implique la incisión con un instrumento afilado, para realizar un dibujo sobre piedra o enlucido. El proceso de esgrafiado sobre un muro tiene una preparación previa. Se extiende un rebozo que generalmente es el de tono más oscuro y se deja secar. Cuando ya está seco se extiende una capa fina del mismo color. Antes de que se seque del todo esta segunda capa, se extiende otra de otro tono que suele ser más claro y con un grosor especial, según los casos. Al cabo de un tiempo prudencial se hace el estarcido, que consiste en estampar los dibujos sobre la superficie pasando una brocha o cisquero por la plantilla donde los dibujos están recortados y después se hace el rascado y las incisiones oportunas para que quede al descubierto la capa o las capas de dentro.

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COLLAGE Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el "objeto encontrado", según la cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como "arte", desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de "objetos encontrados" o collage hay sólo un paso. El collage ha sido usado, pues, en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivismo... Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Antoni Tàpies, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella. Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos.

Un collage es un cuadro compuesto de diferentes trozos de materiales pegados sobre la superficie, puesto que coller significa en francés pegar. Los materiales más usados suelen ser planos, como telas, cartón, papel, fotografías, recortes de periódicos, trozos de plástico, etc. aunque se pueden adherir al cuadro elementos más voluminosos, como prendas, cajas, objetos metálicos... También es frecuente que el collage se combine con otras técnicas de dibujo o pintura, como el óleo, el grabado o la acuarela.El origen de la técnica se encuentra en los papiers collés de los cubistas, que consistían en simples trozos de papel con un color plano, que se adherían a los cuadros para aumentar los efectos de color absoluto. Pero el desarrollo absoluto del collage se debe a los

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